BOLETÍN DE LA BIBLIOTECA DE MENÉNDEZ PELAYO

Literatura y música. Una tradición en diálogo

2025-12-16T21:57:52+01:00

Presentación del número monográfico del BBMP CI-5, 2025, Literatura y música: caminos para una hermenéutica dinámica

Un jardín de senderos que se bifurcan: los estudios músico-literarios

2025-12-27T01:31:32+01:00

Presentación del número monográfico CI-5, 2025, del Boletín de la Biblioteca de Menéndez Pelayo

El paradigma musical en el neopopularismo de los años veinte. El ejemplo del verso fluctuante

2025-12-27T01:33:11+01:00

Este trabajo plantea una revisión del concepto de neopopularismo en la poesía española de los años veinte, considerado dentro del marco general de la Vanguardia: es decir, no como tendencia peculiarmente española, generalmente separada del período vanguardista canónico, sino en estrecho diálogo con nociones como las de neoclasicismo o primitivismo, centrales en el discurso estético del arte internacional de la época. Al mismo tiempo, y dada la naturaleza híbrida del material que estimula y renueva la producción poética, las relaciones con la música y sus implicaciones en la escritura se han establecido como brújula con la que encauzar y ordenar la investigación. En una primera parte se sientan las coordenadas teóricas y contextuales de este neopopularismo y en la segunda parte se analiza una de las técnicas más características, al lado de las técnicas de repetición y esquemas estróficos: el de la versificación fluctuante, que por esos años estudiaba Henríquez Ureña en el CEH.

Antonio Machado y Enrique Villalba: un frustrado proyecto de colaboración poético-musical

2025-12-27T01:33:59+01:00

Este artículo es un estudio sobre una colaboración poético-musical entre el poeta Antonio Machado y el músico y sacerdote agustino Enrique Villalba que no llegó a concretarse. Entre los papeles del poeta que se conservan en la institución Fernán González de Burgos existen algunos indicios de obras poéticas que iban a ser destinadas a ponerles música. Y entre los papeles del músico depositados en la biblioteca de estudios teológicos de Valladolid también se encuentran algunas piezas musicales que podrían haber estado destinadas a tal fin.

El pensamiento musical de Carlos Edmundo de Ory a la luz del diálogo epistolar con Juan Eduardo Cirlot y Maurice Ohana

2025-12-27T01:32:46+01:00

La estela literaria del escritor Carlos Edmundo de Ory alcanzó a figuras filopostistas de la altura del poeta y pianista Juan Eduardo Cirlot y el compositor Maurice Ohana, con quienes mantuvo una reveladora comunicación epistolar a propósito del maridaje de música y verso. De los vínculos interdisciplinares entre Ory y estos dos artistas polifacéticos se colige, en síntesis, el interés compartido tanto por referentes y modelos de la música clásica contemporánea como por géneros de la cultura oral del calado del cante jondo. Tras el estudio previo, se editan, a modo de Apéndice textual, las cartas que se remitieron Ory y Ohana.

Simetrías y amor biologicista en Tinta y tiempo, de Jorge Drexler (2022)

2025-12-27T01:33:35+01:00

Las letras de canciones constituyen un género marginal en el seno de los estudios filológicos y literarios, y este artículo pretende reivindicar su interés como forma lírica y su lugar en el canon a través de un estudio de caso. Entre los cancionistas contemporáneos más destacados en lengua castellana, igualmente aclamado por el público y la crítica, se encuentra el uruguayo Jorge Drexler, cuya poética refleja de manera creciente una postura autorial sólida que remite a su formación científica. En el álbum Tinta y tiempo (2022), como resultado de sus conversaciones con el paleoantropólogo Juan Luis Arsuaga, Drexler expresa una visión particular del amor, relacionada con la biología evolutiva. En el análisis prestaremos atención particular a la décima interpretada por Rubén Blades en la primera canción, así como a las simetrías que impregnan el conjunto del disco, y explicaremos cómo Drexler se integra en la «Alexisfera», comunidad artística caracterizada por el uso recurrente de esta estrofa.

El músico de jazz y el oyente en la literatura de Luis Artigue: análisis e implicaciones teóricas

2025-12-27T01:34:11+01:00

Este artículo analiza la presencia del jazz en dos obras literarias del escritor español Luis Artigue: la novela Café Jazz el Destripador (2020) y el poemario Tres, dos, uno… jazz (2007). Esto nos permite apreciar que, en el caso de la primera, Artigue se centra en el emisor (el músico de jazz) y, en la segunda, en el receptor (el oyente), así como en el efecto que la música tiene en ambos. Pero este análisis no solo pretende desentrañar el vínculo que guardan estas dos obras con la música, sino que, al hilo de ellas, plantea tres reflexiones teóricas sobre la música en la literatura: 1) el concepto de poema (o narración) in praesentia musicae como modo de plasmar el efecto de audición de música. 2) el concepto de eidolon como base de un poema y la distinción entre eidolon lingüístico y eidolon visual; 3) la diferencia que presentan en cuanto al elemento imitante las analogías formales y estructurales respecto de los otros tres tipos de imitación de la música en la literatura normalmente reconocidos, lo que conduce a percatarse de la posibilidad de que los contenidos sean la base de las analogías formales.

Recordar en tejidos intermediales entre literatura y música: relaciones interartísticas, memoria, tambores y migraciones de motivos en las identidades culturales afrocolombianas

2025-12-27T01:33:23+01:00

Este artículo explora las relaciones intermediales entre literatura y música en la construcción de identidades afrodiaspóricas, con énfasis en el contexto afrocolombiano. Desde un enfoque metodológico intermedial, se analizan distintas formas de interacción entre medios —en particular entre texto escrito, ritmo musical y corporalidad performativa— a través del análisis comparado de novelas de Manuel Zapata Olivella con poemas de Jorge Artel y autoras como Mary Grueso, María-Teresa Ramírez y Solmery Cásseres Estrada, y de letras de canciones recientes interpretadas por artistas como Kombilesa Mi, Robe L Ninho y el colectivo Son Prietas. Se examina cómo la palabra literaria y el ritmo —especialmente el del tambor— convergen en la creación de una memoria afectiva y en la elaboración de políticas culturales de resistencia. Se argumenta que la literatura afrocolombiana, desde el siglo XX hasta hoy, mantiene una relación activa con la música como medio de transmisión y creación cultural. Esta perspectiva intermedial permite comprender mejor la continuidad expresiva y su papel central en las identidades culturales afrodescendientes.

El conjuro órfico en San Juan de la Cruz

2025-12-27T01:32:09+01:00

En su Cántico espiritual, san Juan de la Cruz no solo escribe el poema místico más cumplido de todos los tiempos, sino que además en sus versos confluyen los temas, los símbolos y las inquietudes más relevantes del Humanismo. Poeta docto, extraordinario exegeta bíblico, si bien se fundamenta en el Cantar de los Cantares para la concepción y escritura de su Cántico, así como en sus conocimientos hebraicos, implícitos algunos y otros no en el poema de amor bíblico, en la experiencia de las nupcias divino-humanas que canta en sus liras centra el mito de Orfeo a modo de emblema de la palabra redentora.

Sonidos y música de la poesía en Unión Radio (1925-1935)

2025-12-27T01:34:23+01:00

Este artículo analiza la presencia de poesía en la radio española durante la Edad de Plata, enfocándose en la emisora Unión Radio y su revista Ondas. A través de un trabajo de archivo, se recuperan datos sobre poesía de la época, incluyendo la posible primera aparición de Rafael Alberti en radio. El estudio muestra que la poesía fue objeto de interés en la incipiente industria cultural y la consideró compatible con la radio debido a la común naturaleza oral y sonora. Para analizar las relaciones entre poesía, sonido y música, se abordan fenómenos diversos, como la musicalización de textos poéticos y la recitación con fondo musical, distinguiendo entre música culta y popular. Con frecuencia, se puso música a textos recuperados del pasado, como los romances, y destacaron nombres de poetas del siglo XIX, especialmente el Romanticismo, como Bécquer, y el modernismo finisecular, desde Rubén Darío a los hermanos Machado. En los años 30, empezaron a despuntar los poetas de la generación del 27, con el caso destacado de las canciones populares de Lorca, el auge del flamenco y el cuplé.

Lope de Vega y el teatro lírico: apuntes para la configuración de un corpus de trabajo

2025-12-27T01:32:58+01:00

Este artículo pretende comenzar un camino que dé respuesta al vacío filológico de la libretología en el teatro lírico español. Para poder construir una tradición erudita con una metodología y unas coordinadas certeras sobre las que edificar esta línea de investigación, proponemos un acercamiento a la configuración de un corpus de obras que nos permita empezar a definir la libretología desde una perspectiva diacrónica y en el contexto específico del ámbito español peninsular, teniendo en cuenta desde las primeras manifestaciones del género hasta las últimas. Este panorama se configura con las piezas del teatro lírico que tienen como fuente de inspiración la figura de Lope de Vega, desde su Selva sin amor, primer testimonio de nuestro patrimonio hasta las últimas óperas del siglo xxi.

Gerardo Diego y Frédéric Chopin: Prima la Musica e poi le parole. Conversación en la Catedral

2025-12-27T01:31:56+01:00

El presente trabajo aborda la relación intrínseca y fundacional entre la lírica de Gerardo Diego y la obra musical de Frédéric Chopin, presente siempre en muchos de sus textos, y que puede sintetizarse con la máxima barroca italiana Prima la Musica e poi le parole. La obra de Diego, considerada desde la perspectiva de una arquitectura rigurosa encauzada hacia la «armonía íntima del ser», se nutrió de una profunda experiencia musical que cristalizó tempranamente en sus Paráfrasis románticas de los Nocturnos de Chopin, concebidas en 1918. El rigor constructivo de este proyecto —donde el autor articuló el ritmo poético según una pauta musical— se sustentará en un vasto conocimiento intelectual, evidenciado por su extensa biblioteca personal de partituras y textos musicológicos que influyeron tanto en su pensamiento crítico como en su propia escritura. Del mismo modo veremos cómo la evolución textual de esta obra estuvo inseparablemente ligada a su continua experiencia performativa, dentro del formato de conferencias-concierto iniciadas en 1918 —y no en 1919, como en ocasiones se ha propuesto—, y en cuyas veladas el poeta interpretaba las piezas de Chopin mientras presentaba sus versos, sirviendo como un crucial laboratorio público para la maduración textual del poemario a lo largo de más de cincuenta años. Su dilatada y controvertida historia editorial se refleja en su publicación inicial —la configuración provisional como Nocturnos de Chopin en 1963— y su forma definitiva en 1969 con el título Ofrenda a Chopin (1918-1962). Desarrollaremos, pues, parte del contexto que debe ser tomado en consideración para comprender cómo la construcción de estas arquitecturas líricas se nutrió no solo de la escritura pianística chopiniana, sino también de un diálogo constante entre la dimensión poética de su autor y su condición intelectual como músico y conferenciante a través de su práctica interpretativa.

Intertextos musicales y referencias sonoras en el cuento de fantasmas español

2025-12-27T01:33:48+01:00

A lo largo del presente artículo examinaremos cómo el motivo fantástico y el musical se entrelazan dentro de cuatro cuentos de fantasmas españoles: «Maese Pérez el organista» (1861) «El miserere» (1861), «Si tú me dices ven» (1989) y «Hungry for your love» (2010). Los dos primeros relatos fueron compuestos por Gustavo Adolfo Bécquer y los dos últimos por Antonio Muñoz Molina y Patricia Esteban Erlés, respectivamente. En todos ellos se aprecia un vínculo ostensible entre el espectro y la música, elementos ambos propiciatorios del encantamiento que se describe en los textos. Estudiaremos, entonces, la función que en las anteriores composiciones asume el diálogo intermedial e intertextual que se establece entre la música y la ficción literaria.

La tradición del Canto a porfía en Chile: desde la poesía popular impresa a la canción de autor

2025-12-27T01:32:33+01:00

El trabajo propone un recorrido por la tradición del canto a porfía en Chile, desde la poesía popular impresa a la canción de autor, con la figura de Violeta Parra como nodo. Sin pretender una revisión exhaustiva, el artículo ofrece una suerte de rastreo genealógico del canto empecinado y desafiante y da pistas sobre sus diversas manifestaciones textuales: desde la arenga directa, a la delicadeza sentimental y la máscara humorística. Este acotado repaso desde la tradición del cantor y pueta de la Lira Popular hasta la figura del cantautor, permite constatar la porfía como marca identitaria de las manifestaciones poético-musicales chilenas, acorde con una particular sensibilidad colectiva.

Imitación métrico-musical en la lírica trovadoresca: la contrafacción parcial

2025-12-27T01:32:21+01:00

El contrafactum constituye un proceso interdisciplinario que concierne tanto el texto como la música. Sin embargo, al abordar este fenómeno creativo de tradición oral, suele descuidarse un aspecto esencial: la recepción. El público de la poesía cantada no acostumbra a analizar la obra desde una óptica filológica —ya sea métrica o literaria— ni musicológica, sino que probablemente se trata de oyentes con una sensibilidad cultivada, capaces de captar matices sin necesidad de un análisis técnico. se trata de un público de entendedores. Por ello, recae en nosotros la responsabilidad de interrogar el propósito del autor al “construir” una nueva obra a partir del contrafactum de una composición preexistente. Es igualmente pertinente preguntarse qué tipo de reacción pudo suscitar en el público, o cuál fue la intención del autor hacia ese auditorio con la nueva creación, que en muchas de sus imitaciones está cargada de mensajes intertextuales e intermelódicos. Desde nuestra perspectiva, resulta imprescindible investigar tanto los contrafacta “cerrados” o completos —aquellos que reproducen íntegramente la estructura métrica, la disposición de las rimas y la música— como los contrafacta parciales o “abiertos”, que solo retoman parte de la métrica del modelo imitado y, en consecuencia, también de su música.

El terremoto cultural de 1580 en España

2025-12-27T01:31:44+01:00

El texto analiza el profundo “terremoto cultural” que se produjo en España alrededor de 1580, entendido como una transformación silenciosa pero decisiva que marcó el paso del Renacimiento al Barroco. Esta revolución no fue únicamente literaria o teatral, sino un fenómeno multidimensional que afectó a la música, la poesía, la danza y las formas de entretenimiento urbano. El autor propone una teoría integradora según la cual distintos cambios simultáneos —aparición de la comedia nueva, auge del romance nuevo, popularización de la guitarra rasgueada, proliferación de bailes cantados y adopción del compás ternario con hemiolas— forman parte de un mismo proceso cultural.

La apertura de los teatros públicos (corrales) y el surgimiento de dramaturgos como Lope de Vega transformaron el modelo cultural tradicional dominado por élites eclesiásticas y aristocráticas. El gusto del “vulgo” empezó a determinar la producción teatral, generando tensiones con moralistas como Juan de Mariana, que veía en el teatro una amenaza para el orden social.

Paralelamente, el romance nuevo se difundió masivamente a través de pliegos sueltos y recopilaciones como el Romancero general (1600). Su éxito se debió, en gran medida, a su dimensión musical: los romances eran piezas cantadas, estructuradas en cuartetas octosilábicas determinadas por patrones melódicos. La música popular influyó decisivamente en su forma y expansión.

La revolución musical incluyó la creciente hegemonía del compás ternario y el desarrollo de un sistema notacional específico —el compás de proporción menor— para registrar complejas alteraciones rítmicas. Bailes como la zarabanda, chacona o jácara, junto con el uso de la guitarra rasgueada, consolidaron un estilo musical característico que, aunque transmitido oralmente y poco notado por escrito, anticipó elementos fundamentales de la música barroca europea.

Este conjunto de innovaciones definió lo que posteriormente se llamaría el estilo español, un modelo estético duradero basado en la apropiación culta de formas populares.